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Documentário dá merecido destaque ao talento da escultora Maria Martins

[Colaboração para o site Mulher no Cinema]

No hall de um cinema paulistano, minutos antes da pré-estreia de Maria: Não Esqueça que Venho dos Trópicos, o que se ouvia era: “aquela que foi amante do Duchamp”. Esta é uma das poucas informações (quando não a única) que a maioria das pessoas conhece sobre a escultora Maria Martins (1894-1973), tema de documentário que estreia nesta quinta-feira (16).

No entanto, a artista foi muito mais. Sua escultura traz ineditismos e um frescor nos temas referentes ao desejo e ao sexo feminino que foram pouco explorados em obras da época. Além do bronze, foi uma personalidade importante nos bastidores de grandes instituições de arte e chegou a entrevistar o líder chinês Mao Tsé-Tung (1893-1976). Por isso e pelo enorme talento ainda pouco divulgado de Maria Martins, e neste momento em que discutimos o papel das mulheres do mundo, o documentário de Francisco Martins e Elisa Gomes se faz necessário.

A vida da artista é reconstituída por meio de entrevistas com críticos, pesquisadores e curadores brasileiros e estrangeiros, leitura de livros, cartas e entrevistas, falas de conhecidos e familiares da artista. Da infância ao primeiro “escândalo” – o fim de seu primeiro casamento com o historiador Octávio Tarquínio de Sousa (1889-1959), em 1920, para se casar com o embaixador Carlos Martins (1884-1965), o que lhe custaria a guarda de sua primeira filha e lhe daria liberdade para ser artista -, o longa trata ainda do contato inicial de Maria com a escultura; sua influência nos bastidores nas curadorias das duas primeiras Bienais de São Paulo e também para a concepção do acervo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; a construção das obras públicas que realizou em Brasília e, claro, seu relacionamento com Marcel Duchamp (1887-1968).

Sendo Maria tão influente e nascida no mesmo ano – 1894 – do célebre escultor modernista Victor Brecheret, por que não se estuda o trabalho da artista nas aulas de arte nas escolas? Porque, como diz a curadora e pesquisadora Verônica Stigger, a escultora “correu pela margem”. Quando veio para o Brasil com suas obras sobre mitos da Amazônia, os artistas brasileiros já estavam navegando contra a ideia de identidade nacional. O maior crítico daquele momento era Mário Pedrosa, que dizia que o grande problema de Maria era ter personalidade demais.

No entanto, em Nova York ela expôs ao lado de grandes nomes, como Piet Mondrian (1872-1944). Durante o período em que morou nos Estados Unidos, teve uma intensa e frutífera relação com Marcel Duchamp. A artista não só serviu de modelo para Étant donnés, a última e uma das célebres obras do pai do ready made, como era sua fonte de inspiração e uma importante interlocutora: trocava com ele informações sobre arte e técnicas de escultura.

Se Maria era esse personagem estranho no cenário da arte brasileira, os diretores também inseriram no documentário um elemento desconectado. Depois de cenas de arquivo em que a própria Maria Martins aparece, quem surge é a atriz Malu Mader. Aí, você se pergunta: por quê? Por quê? Por quê? Porque ela quis.

Durante o lançamento do livro Maria, da Cosac Naïfy, em 2010, a atriz descobriu que havia uma artista plástica que era sua xará. Quando entrou em contato com a família da escultora, pedindo para fazer algum projeto, o documentário já estava em produção. Pois ela entrou no comboio e sentou na janelinha. Para brasileiros que conhecem mais a Maria de Lourdes Mader do que a Maria de Lourdes Martins, ficam algumas interrogações: o que ela está fazendo no filme? Será que é parente? Será que fez alguma grande descoberta? Será que também é escultora? Não, ela está lá apenas porque quis participar.

O bom é que a atriz não aparece muito, e a vida e a obra de Maria Martins se sobressaem nos 81 minutos. De acordo com a biógrafa Graça Ramos, a artista é como um lusco fusco: ora aparece, ora some do cenário das artes e da cultura nacional. Espera-se que, com esse documentário, a escultora entre de vez para a história com o devido destaque. Como diz o crítico e curador Paulo Herkenhoff, foi ela quem fez a escultura mais radical no Brasil do século 20, e sua obra trata de temas como a nudez e a sexualidade muito antes da escultora francesa Louise Bourgeois (1911-2010).

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Jackie

Entre os filmes do Oscar de 2017 na Netflix, vejo todo mundo recomendar Lion, Moonlight e poucos falam de Jackie. Eu demorei para encarar o filme novamente por conta de uma cópia pirata mal-feita que tinha visto. Mas enfrentei o longa no fim do domingo.

PUTAQUEPARIUQUEFILME. Não é só a Natalie Portman que está incrível, mas o longa tem um baita roteiro, trilha sensacional, uma fotografia incrível tanto nas cenas de ficção quanto nas de reconstituição de fatos reais. Tudo encaixado perfeitamente em 1h30. Por um mundo com mais filmes poderosos e curtos!

Eu tenho fascínio por vidas de primeiras-damas. Porque elas podem parecer apenas acessórios de homens poderosos, mas em geral são peças tão fundamentais quanto e se revelam personagens mais interessantes. Se hoje à noite você tiver uma 1h30 sobrando, veja esse filme, antes que ele saia do catálogo da Netflix.

 

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Filme trata prostituição infantil em tom de documentário

[Resenha para o site de Cultura Geral]

O cinema nacional vem registrando retratos do Brasil, ora em um viés histórico, ora social. Anjos do Sol, de Rudi Lagemann, discute prostituição infantil. O roteiro do filme é baseado, dentre muitas notícias e relatos sobre o tema, na história de Cinqüenta Centavos, uma menina que se prostitui para ganhar a vida e cobra o valor de seu pseudônimo.

Maria (Fernanda Carvalho),12 anos, de família nordestina miserável é vendida por seu pai para conseguir um sustento momentâneo à família. Revendida a uma cafetina (Vera Holtz), leiloada para um fazendeiro, Lourenço (Otávio Augusto) – que quer uma garota pura para seu filho perder a virgindade – e mais uma vez vendida para um bordel de prostitutas infantis e outras recém-saídas da infância.

Durante todo esse comércio, Maria conhece Inês (Bianca Comparato), garota mais madura, arisca, que convence a protagonista a fugir com ela. São capturadas pelo dono do bordel, Saraiva (Antônio Callado) e “presenteadas”, como diz o cafetão. Inês é amarrada a um jipe e arrastada até a morte. Essa é a cena mais forte e dramática do filme. A personagem de Comparato, sempre de semblante fechado, mostrando-se até o momento uma pessoa forte, quando se vê na situação do castigo desaba, chora.

A morte da amiga, somada ao seu castigo (ficar durante um mês presa acorrentada na cama recebendo toda noite clientes sem parar) faz crescer um sentimento de revolta em Maria. Em um dia da Copa, ajudada pela prostitua Celeste (Mary Sheyla), foge para o Rio Janeiro. Procura a alcoviteira Vera, que além de manter garotas na prostituição na orla de Copacabana, contribui para o comércio sexual pela Internet. E ao perceber que sua vida não seria diferente ao lado da cafetina carioca, foge. Contudo, dessa vida e nas condições nas quais se encontra, não há outra saída.

Apesar do tema forte, o filme é formado por cenas sutis, delicadas. O caráter de denúncia está presente o tempo todo. O drama tem uma seqüência linear, chegando até ser um pouco previsível. Tem um certo ar de reportagem devido a verossimilhanças dos figurinos e cenário. A atriz que interpreta Maria consegue, através do olhar, refletir a tristeza de uma infância roubada; sempre de cabeça baixa demonstra a opressão de quem está além margem da sociedade, um universo fechado onde nunca se sabe o que esperar do amanhã.

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Zuzu Angel: quem é essa mulher?

[Resenha para o Site de Cultura Geral]

Uma abertura novelesca. Rio de Janeiro, década de 70, regime militar. Uma mulher desquitada luta para vencer na vida e criar três filhos. Entre eles, um menino, o primogênito, participante do movimento estudantil. Luta contra a ditadura vigente no país, acaba preso torturado e morto. Este é o roteiro do filme dirigido por Sérgio Rezende, e Essa Mulher é a brasileira, estilista ou – como ela preferia – costureira, mãe: Zuzu Angel.

O filme é protagonizado por Patrícia Pillar, que interpreta de maneira brilhante, limpa e forte, assim se assemelhando a sua personagem: Zuleika Angel Jones – mineira, nascida em Curvelo, casou-se com um estadunidense, com o qual teve seus três filhos: Stuart (Daniel Oliveira), Hidelgard (Regiane Alves) e Ana (Fernanda Tavares) -. Em seus últimos dias de vida, Zuzu se isola em Minas Gerais para organizar um dossiê sobre a morte de seu filho, começa gravar uma fita e através de sucessivos flashbacks a trama vai se desvendando.

Para Zuleika, a militância política de Stuart – ou Tuti para mãe – era coisa de jovens de classe média desocupados, sem medo do perigo e que não sabiam o que estavam fazendo. E mesmo preocupada, seguia sua vida a costurar, lança coleções no EUA e faz sucesso com sua moda legitimamente brasileira, com a qual exaltava o colorido, a natureza, o regionalismo e a falsa alegria do país na época.

Eis que o telefone toca, do outro lado, uma voz aflita: “Paulo Caiu, tá na P. E.!”. Era a senha para a realidade se revelar a Zuzu. Essa mulher vai em todos os órgãos de segurança governamentais e a todos que possam dar uma pista para saber onde está seu Tuti. Ele havia sido preso e foi torturado até a morte por não revelar o endereço de Carlos Lamarca, um dos líderes da militância política. Essas cenas se mesclam com as da estilista lendo desesperadamente a carta detalhada sobre a morte do filho. Imagens desfocadas provocam uma sensação angustiante.

Saber que o filho morreu sob tortura é o gás para a mãe, que passa a viver com o objetivo de fazer justiça pela morte de seu filho – ao menos para conseguir o corpo e dar um enterro digno. A revolta inspira Zuzu em novas coleções, agora com temas militares, anjos pretos, passarinhos enjaulados entre outros temas de “abaixo a ditadura”. Seus protestos e ações incomodam o governo, e a estilista passa a ser perseguida. Até que é morta em um acidente criminoso.

Cores contrastadas valorizam o cenário e o figurino, especialmente o de Pillar. Há o abuso dos closes e cenas fechadas, oferecendo detalhes sugestivos aos espectadores. Além da emocionante história de Zuzu Angel, o filme é visualmente bonito. Atores globais, Rio de Janeiro como cenário principal, cena de sexo, violência, uma personalidade forte e a incomparável música brasileira. Tudo que um filme brasileiro pode ter. E nós temos.

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Editora Europa FilmMaker Revista

FilmMaker

Reportagens e perfis para a revista FilmMaker, publicação bimestral da revista Fotografe Melhor, da Editora Europa. Veja as matérias publicadas aqui.

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Profissão…Repórter?

[Resenha para o site de jornalismo (06/10/2006)]

Por Karina Sérgio Gomes, 1º ano de jornalismo

Michelangelo Antonioni discute condição humana em “Profissão: Repórter”

O fugitivo. Talvez esse fosse o melhor nome para Profissão: Repórter, filme de Michelangelo Antonioni lançado em 1975 e agora relançado primeiro olhar, o título da obra em português parece pouco apropriado, já que, salvo alguns flashbacks que mostram entrevistas realizadas pelo personagem principal, o enredo se concentra em temas como a condição humana e a angústia decorrente da busca interior.

A estranheza provocada pelo título se estende ao filme, que nada tem a ver com narrativas óbvias e personagens caricatos de muitos filmes que fazem alusão ao jornalismo, como O Jornal, de Ron Howard. O suspense de Antonioni possui ritmo lento, inovadores recursos de câmera e poucos diálogos.

O roteiro, baseado em obra de Mark Peploe, narra a vida do jornalista David Locke (Jack Nicholson), que está entediado com a rotina de sua vida e profissão. Durante a produção de um documentário sobre movimentos guerrilheiros na África, Locke conhece David Robertson (Chuck MulveHill), que está hospedado em seu hotel. A história dá uma virada quando Locke encontra Robertson morto e, mesmo sem saber quem ele é, resolve assumir sua identidade. Uma caderneta deixada por seu xará e recente amigo lhe servirá de roteiro para uma nova vida, e de entrada para um labirinto sem volta.

Editor do site Cine Reporter, Rodrigo Carreiro, acredita que Profissão: Repórter é um filme “de perguntas e não de respostas”. Tal idéia torna o título do filme totalmente apropriado, fazendo uma analogia à classe de questionadores, que – ao menos em tese – buscam incessantemente a verdade. Com nova identidade, Locke busca sua própria verdade e um sentido para viver, fugindo sempre dos “fantasmas” do passado.

Além do jornalista central, o filme também conta com outros personagens da profissão, como Martin Knight (Ian Hendy), que na tentativa de produzir um programa em homenagem a Locke começa a procurar “Robertson”. A fim de conseguir mais detalhes sobre a suposta morte do repórter, Knight sai da condição de produtor para a de detetive, na busca por Robertson-Locke.

A identificação de características jornalísticas nos personagens é difícil, pois estão representadas de forma superficial. O foco principal está no plano psíquico, marca de Antonioni, que em seus filmes costumaretratar a essência dos personagens. Para mostrar-nos o interior de Locke, o diretor aposta em recursos sofisticados e inovadores para a época, como movimentação de câmeras (que funciona como uma testemunha ocular, apenas observando os acontecimentos) e flashbacks. Talvez por isso o próprio diretor considere Profissão: Repórter, indicado para a Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes de 1975, seu filme estilisticamente mais maduro.

Profissão: Repórter
(Professione: Reporter – Itália/Espanha, 1975, 125 min)
Direção: Michelangelo Antonioni
Elenco: Jack Nicholson, Maria Schneider, Jenny Runacre.
DVD: R$ 33,90 – além do filme, a edição traz trailer de cinema, seleção de cenas e comentários em áudio do ator Jack Nicholson e do roteirista Mark Peploe.

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